ЖАНРЫ ЖИВОПИСИ

                                                             Часть 1

Анималистический жанр

Батальный жанр

Бытовой жанр

Исторический жанр

Мифологический жанр

Натюрморт.

Пейзаж

Портрет.

Икона

Импрессионизм

Караваджизм

Классицизм

Кубизм

Литография

Лубок

АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ ЖАНР

Вы, конечно, помните картину Ивана Ивановича Шишкина «Утро в сосновом лесу». Но известно ли вам, что медведей на этой картине рисовал не он, а совершенно другой художник. Так вот художники, которые специализируются на изображении животных, называются анималистами. Поэтому тот же Шишкин и воспользовался услугами другого художника, которому изображение животных удавалось лучше. В переводе с латинского «anima» означает животное.

Вы уже знаете, что человек еще с глубокой древности, изображает животных. Когда художники рисуют животных, они преследуют различные цели. Например, для научной энциклопедии требуется точная копия животного, а для оформления иллюстрации к какой-нибудь сказке -

упрощенное изображение. Разглядывая рисунки с животными, вы могли заметить, что художники часто стараются наделить животных человеческими чертами. Если посмотреть рисунки Валентина Андреевича Серова к басням Ивана Андреевича Крылова, то можно заметить сходство человека с животными - персонажами басен.

Анималистический жанр. Альбрехт Дюрер (1471-1528) «Заяц». 1502

Сложению анималистического жанра предшествует долгая традиция изучения и изображения животных. Об острой наблюдательности древнего человека свидетельствуют изображения зверей и птиц в первобытном искусстве. Ярко выразительны стилизованные фигуры в памятниках так называемого «звериного стиля» (у скифов, кельтов, германцев, в англо-ирландских и новгородских рукописях), искусстве Древнего Востока, Африки, Океании, Древней Америки, в народном творчестве многих стран. Изображения животных часто встречаются в античной скульптуре, вазописи, мозаиках. В средние века в Европе были распространены аллегорические (иносказательные) и фольклорные, сказочные образы птиц и зверей. В эпоху Возрождения появились изображения животных с натуры. (Пизано Пизанелло, Альбрехт Дюрер).

БАТАЛЬНЫЙ ЖАНР

В переводе с французского «batalie» означает битва. Жанр изобразительного искусства, называемый «батальным», непосредственно связан с изображением битв, военных походов, ратных подвигов, разнообразных боевых действий и эпизодов военной жизни.

БЫТОВОЙ ЖАНР

Живопись, изображающая сцены повседневной жизни, а не сюжеты из классической мифологии или Священной истории. Слова «жанр», «жанровый» нередко означают бытовой жанр и его специфические качества: дух повседневного обихода, строя обыденной жизни.

Бытовой жанр был очень распространен в Голландии в XVII в. Зачастую художники специализировались на изображении определенного типа сцен - например, сцен в тавернах (Ян Стен), концертов или домашних интерьеров (Ян Вермеер Делфтский). В XVIII в. бытовой жанр получил распространение в других странах Европы благодаря творчеству Жана-Батиста Шардена во Франции, Пьетро Лонги в Италии, и Уильяма Хогарта в Англии. В России бытовой жанр представлен многими именами, в частности, Павла Андреевича Федотова, Александра Гавриловича Венецианова, Василия Григорьевича Перова.

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР

Жанр изобразительного искусства, посвященный историческим деятелям и событиям, общественно значимым в истории человечества. Обращенный в основном к прошлому, исторический жанр включает также изображения недавних событий, историческое значение которых является важным для современников.

МИФОЛОГИЧЕСКИЙ ЖАНР

Происходит от греческого слова «mythos», что обозначает предание. Жанр посвящен героям и событиям, о которых рассказывают мифы и легенды древних народов. Творчество, связанное с мифами, известно с глубокой древности, еще в эпоху первобытного искусства древний человек пытался запечатлеть изображения героев легенд и преданий своего народа. Однако не стоит думать, что в современном искусстве не нашлось места мифологическому жанру. Просто мифологический жанр получил переосмысление, соответственное нашему времени.

НАТЮРМОРТ

Натюрморт в переводе с французского означает «мертвая природа». Натюрморт в живописи - это изображение предметов обихода, цветов, битой дичи и других мертвых объектов. Так почему же так много жизни в этих «мертвых» объектах и мертвы ли они на картинах художников? Конечно, нет! В натюрмортах художники показывают жизнь предметов. Разве можно назвать «мертвой природой» сочные натюрморты букетов цветов. К примеру, в цветочных натюрмортах видели не только праздник природы, но и символ быстротечности земной жизни; даже красота природы в конце концов умирает.

Жанр натюрморта родился в Голландии в XVII в. Видя натюрморты того времени и ту тщательность, с которой они написаны, вам может показаться, будто предметы настоящие и их можно коснуться рукой. В Голландии натюрморты ценились очень высоко, как и ювелирные драгоценности, изображенные на них.

ПЕЙЗАЖ

Ленардо да Винчи в своем «Трактате о живописи», вспоминая время обучения у Андреа Веррокьо, пишет: «Наш Боттичелли относился чрезвычайно несерьёзно к пейзажу. Если бросить, - говорил он, - об стенку губку полную разных красок, она оставит на стене пятно, в котором будет отличный пейзаж». Естественно, Леонардо не мог разделять таких взглядов, пускай даже немного шуточных. Леонардо да Винчи был пытливым исследователем природы и относился к ее изображению чрезвычайно серьезно. Завершая свой рассказ, он пишет: «...и этот живописец делал чрезвычайно жалкие пейзажи».

Вы знаете, что художники, изображающие природу, называются пейзажистами. После сюжета к интереснейшим свойствам пейзажа относятся движение, жизнь. Оживление картины, изображающей пейзаж, - одна из величайших трудностей живописи. Ведь природу украшать не надо, но - как ее прочувствовать, понять ее суть, освободиться от мелочей - в этом и заключается работа пейзажиста.

Природа вызывает в человеке глубокие чувства удивления и восхищения, чувства, без которых невозможно восприятие прекрасного.

Пейзаж часто - внутреннее состояние художника, который вкладывает разные чувства и использует разные цвета, рисуя образы природы и ее состояния - будь то гроза или весенняя капель. Но если художник рисует пейзажи, изображающие море, то такой морской пейзаж называется «марина». Художники-маринисты изображают морскую стихию во всех ее проявлениях. Яркий пример - Константин Айвазовский. В марине «Девятый вал» он показывает борьбу человека с морской стихией. Люди, изображенные на этой картине, слабые песчинки, поглощаемые бушующем морем. Многое написанное в этой картине Айвазовский рисовал по памяти. Но есть и другой пример - это английский художник Уильям Тернер. В поздний период творчества он проявлял особый интерес к столкновению различных стихий. Известно, что для того, чтобы передать в картине «Метель. Пароход у входа в гавань подает сигнал бедствия, попав в мелководье» эффект вьюги на море, художник (а ему было тогда 67 лет) велел привязать себя на четыре часа к капитанскому мостику корабля, плывшего в шторм из Гарвича.

ПОРТРЕТ

Итальянский живописец Тициан, творивший в XVI в., для просушки живописи выставлял ее на солнечный свет. Так им был выставлен портрет папы Павла III, и прохожие принимали его за живого. Что же прежде всего нас интересует в портретах? Внешнее сходство? Не только. Портрет - это еще и взгляд художника, его чувства по отношению к портретируемому. Портрет - это попытка показать внутренний мир человека. При помощи портретов мы можем увидеть лица прошлого, когда еще не было фотоаппаратов. Но и это не главное. Портрет дает нам возможность проследить историю человека, будь то портреты деятелей прошлого или наших современников.

Существует множество разновидностей портрета: парадный (выполненный на заказ, предполагает изображение человека в полный рост), камерный (здесь, наоборот, погрудное изображение), групповой (изображение нескольких людей), парный, автопортрет и множество других.

Интересна и сама история портрета. Его зарождение относится к глубокой древности. В Древнем Египте появляются скульптурные портреты. Эти портреты были религиозно-магическими, являлись частью культа. Такой портрет был «двойником» человека в его загробной жизни.

Скульптурные портреты Древнего Египта - это выражение неизменного, неповторимого, присущего только данному человеку. Самые ранние сохранившееся живописные портреты - это фаюмские портреты (Египет I - IV вв). Они были выполнены в технике восковой живописи на доске или полотне. Их вставляли в бинты мумии на месте лица. При этом фаюмские портреты не являлись только заупокойными. Они рисовались с натуры, несли в себе сходство с конкретным человеком и зачастую при жизни портретируемых выставлялись в их домах.

С момента появления портрета прошло много времени. Многое изменилось и в самом портрете, но он до сих пор остается одним из главных жанров живописи, скульптуры, графики, а также фотоискусства.

ИКОНА

Древнерусская икона, воплощающая идею Бога, является одновременно святыней и примером живописи, передающей не земную, а божественную красоту. Цвет икон условен и декоративен. Назначение иконы передавать не реальность, а божественную идею, в которой живопись искала идеал.

На Руси искусство иконописи, изначально связанное с византийской традицией, достигло в XII - XVI вв. высочайшего художественного качества, стилевого и композиционного многообразия. Лучшие достижения русской иконописи неразрывно связаны с именем Феофана Грека. Уроженец Византии, на Руси Феофан Грек нашел плодотворную почву для развития своего могучего творческого дарования. Первой его работой у нас являются фрески знаменитой церкви Спаса в Новгороде, выполненные в 1378 г. Позднее художник расписывал соборы и дворцы Московского Кремля. Каждому из образов фресок Феофан дает глубоко индивидуальную, сложную, психологическую характеристику. Манера его письма резкая, стремительная, темпераментная. В работах Феофана ясно ощущается знание жизни, психологии человека, проницательный ум автора.

В одном из залов Государственной Третьяковской галереи в Москве находится произведение, которое принадлежит к величайшим творениям мирового искусства - икона «Троица». Созданная более пятисот лет назад, она захватывает современного зрителя благородством чувств, тонкой поэзией, одухотворенной красотой образов. Автор гениального произведения русский живописец Андрей Рублев.

Андрей Рублев смело отказался от господствовавшей в иконописной живописи условности и создал новые, полные гармонии глубоко человечные образы, в них - нежность и доброта, мужество и мудрость, кристальная душевная чистота.

Также крупнейшими мастерами русской иконописи являются Алимпий (г.р. неизвестен-1114) и Дионисий (ок. 1440-после 1502-03).

ИМПРЕССИОНИЗМ

Во второй половине позапрошлого века (начало 60-х гг.) во Франции начала работать группа молодых художников. Художники сделали правилом для себя писать не в мастерской, а под открытым небом: на берегу реки, в поле, в лесу - этот живописный прием называется пленэром, что буквально означает - открытый воздух.

После выставки в Париже этих художников стали именовать импрессионистами. Название направления, данное вначале в насмешку неким журналистом, обязано своим происхождением картине Клода Моне - «Впечатление. Восход солнца» (от французского impression - впечатление). Это слово подходило к их работам, потому что в них художники передавали свое непосредственное впечатление от увиденного. Художники по новому подошли к изображению мира, в этом им помогала работа на пленэре.

Главным для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены фигуры людей и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная после дождя, нагретая солнцем земля. Они стремились разглядеть и показать удивительное богатство цвета в природе. Их чрезвычайно занимала проблема взаимоотношения света и цвета, свои картины они писали открытыми мазками чистого красочного пигмента. Они совершили также переворот в выборе сюжетов, отказавшись от традиционных исторических, религиозных или литературных тем, и обратились к сценам повседневной жизни.

Нельзя сказать, что путь художников-импрессионистов был легок. Сначала их не признавали, их живопись казалась слишком смелой и необычной, над ними смеялись. Никто не хотел покупать их картины. Но они упорно шли своим путем. Ничто не заставляло художников отказаться от своих убеждений и принципов. Прошло много лет, некоторых из импрессионистов не было в живых, когда наконец их искусство было признано общественностью и искусствоведами.

Основные представители: Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей и др.

КАРАВАДЖИЗМ

Художественное направление в западноевропейской живописи XVII в. Этим термином называют многочисленную группу как итальянских живописцев, так и мастеров других европейских школ, выступивших последователями реалистических принципов творчества Микеланджело да Караваджо (1573-1610), но воспринявших в его искусстве прежде всего сюжетные бытовые мотивы (музицирование, игра в карты и кости и т. д.), интерес к простонародной натуре, композиционные принципы крупнофигурных жанровых и евангельских сцен, живописные приемы, основанные на принципе «погребного» освещения, создающего напряженность и резкость световых контрастов. Наиболее полно эти особенности проявились в творчестве итальянского живописца Бартоломмео Манфреди, француза Валантена, фламандца Теодора Ромбаутса, голландских художников -так называемых утрехтских караваджистов - Дирка ван Бабюрена, Хендрика Тербрюгтена, Герритта ван Хонтхорста. Более творческое развитие принципы «караваджизма» получили у итальянских живописцев Джованни Баттиста Караччоло, Орацио Джентилески, Карло Сарачени, Орацио Борджанни, Джованни Серодине.

Караваджизм сыграл значительную роль в европейской живописи XVII в. и был своеобразным посредником между искусством Караваджо и других выдающихся европейских мастеров. Так, в творческом становлении Рембрандта немаловажное значение имело его знание работ утрехтских караваджистов. Влияние творчества караваджистов просматривается в ранних жанровых сценах («бодегонес» - это соединение натюрморта и бытового жанра) Диего Веласкеса. Испытал воздействие нидерландских караваджистов француз Жорж де Латур.

КЛАССИЦИЗМ

КЛАССИЦИЗМ (от латинского classicus - образцовый). Стиль и направление в европейском искусстве XVII - нач. XIX вв. Классицизм обратился к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Для искусства классицизма были важны нравственные конфликты: чувства и долга, идеала и реальности, личности и общества и др.

Изобразительное искусство классицизма отличается логическим развертыванием сюжета, ясностью, уравновешенностью композиции, ведущей ролью плавного, обобщенного рисунка.

Представители: Никола Пуссен, Клод Лоррен, Жак Луи Давид, Доминик Энгр.

КУБИЗМ

От французского cube - куб. Направление во французском искусстве 1900-1910 гг. Его основатели и крупнейшие представители Пабло Пикассо и Жорж Брак. Кубисты во многом опирались на творчество Поля Сезанна, который предлагал трактовать природу «...в форме шара, конуса, цилиндра. ..»(см. «Постимпрессионизм»). Название было дано современными критиками по характерной, хотя и внешней особенности картин этого направления - преобладанию в них прямых линий, граней и кубоподобных форм. На первый взгляд, абстрактное и геометричное искусство кубизма передает реальные объекты. Они лишь расплющены на холсте так, что разные грани одного и того же предмета видятся одновременно с разных точек зрения. Вместо того, чтобы создавать иллюзию предмета в пространстве, как это пытались делать художники, начиная с периода Возрождения, кубизм воспроизводит объекты в категориях двухмерного холста. Создание кубизма привело к радикальному переосмыслению взаимоотношений формы и пространства и навсегда изменило развитие западного искусства. Также с творчеством кубистов связано изобретение коллажа. Коллаж в переводе с французского обозначает наклеивание. Коллаж - это техника создания картин, состоящая в применении различных наклеек из плоских (фрагменты газет, обоев, цветной бумаги, ткани), реже объемных предметов (куски проволоки, дерева, металла). Аналогичной техникой в применении к фотографии является фотомонтаж; он занимал видное место в дадаизме (Рауль Хаусман) и сюрреализме, а впоследствии его использовали художники поп-арта, например, Ричард Хамильтон.

ЛИТОГРАФИЯ

От греческого «lito» - камень и «grapho» - пишу. Способ печатания, при котором рисунок наносят на плоскую поверхность специального камня, обычно известняка, жирным веществом, например, тушью, а пробельные участки увлажняют и делают таким образом невосприимчивыми к краске.

Печатают литографии на особом станке. Существует множество разновидностей литографской техники (выскребывание, размывка, гравюра на камне).

Литография, изобретенная в 1796-1798 гг. в Германии Алоизом Зенефельдером, стала во второй части XIX в. популярной техникой. В Х1Х-ХХ в. она сыграла важную роль в развитии карикатуры, иллюстрации, плаката.

ЛУБОК

Название происходит от липового лубка, излюбленного материала народного искусства. Лубок - произведение народной графики (как правило, печатное), отличающееся простотой и доходчивостью образа и предназначенное для распространения в народных массах. Лубки, выполнявшиеся безымянными художниками-самоучками, печатались на отдельных листах во многих экземплярах в сопровождении пояснительных надписей. Лубок получил широкое распространение в Китае (с VIII в. - гравюры на дереве), Европе (с XV в. - гравюры на дереве, с XVII в. - гравюры на меди, с XIX в. - литографии). Лубок служил средством массовой информации и нередко - общественной пропаганды и публицистики («летучие листки» времен Реформации и крестьянской войны XVI в. Германии, лубки Великой французской революции XVIII в.). В России с конца XVII в. лубки печатались на ручных станках с деревянных досок и раскрашивались от руки (в XVIII в. использовались также гравюры на меди, в XIX в. - литография). Наряду с религиозными листами, прославлением царей и полководцев бытовали противоправительственные лубки, сатирические иносказания; в лубках отражались настроения масс, появлялись сетования на нужду, барщину, рекрутчину. Популярностью пользовались лубки, иллюстрирующие былины, сказки, притчи, а в XIX в. - также литературные произведения (в т.ч. Пушкина, Гоголя и др.). При всей наивности и грубоватости художественных средств лубки - дешевые по цене, широко доступные, занимательные - заменяли неграмотным иллюстрированную книгу, являясь вместе с тем своеобразной отраслью народного искусства, фольклора.

Материалы из книги: Игорь Баранчук. ЖИВОПИСЬ от А до Я.

Издательский дом «Сибирский цирюльник, Москва 2003 г.